Mariss Jansons est un chef peu médiatique, discret, mais qui là où il passe, traîne après lui tous les coeurs…A Munich, il fait exploser les abonnements de l’Orchestre de la Radio Bavaroise, tandis que le Münchner Philharmoniker connaît une crise importante et renonce à prolonger le contrat de Christian Thielemann, un chef pour moi trop bien considéré pour ce qu’il apporte vraiment à la musique. A Amsterdam, où il dirige le Concertgebouw, Jansons a réussi en quelques années à le reporter au sommet de la hiérarchie des orchestres, après une période Chailly un peu mouvementée. Le Concertgebouw est ce week end à Londres, au Barbican Center, pour deux concerts: ce soir, l’ouverture de la Fiancée vendue, de Smetana, le concerto pour deux orchestres à corde, piano et percussion de Martinu, et la 4ème symphonie de Brahms, demain après-midi, la Symphonie n°2 de Mahler “Résurrection”. Je venais à Londres pour Mahler et Jansons, et puis il restait des places excellentes et peu chères (12 £) pour ce soir, je n’ai pas hésité, et j’ai eu raison ô combien. D’abord, parce que j’ai découvert une oeuvre que je ne connaissais pas (Martinu) et ensuite parce que Brahms a été littéralement grandiose.
Dès les premières mesures de l’ouverture de la Fiancée Vendue, on remarque l’infinie légèreté des cordes, qui émettent un son à peine audible, tout le début jouant sur le contraste entre l’audible et l’inaudible, puis se développe en un crescendo impressionnant, très difficileà jouer. Manière de présenter l’incroyable qualité de cet orchestre, que d’aucuns n’hésitent pas à mettre au premier rang mondial, devant Vienne et Berlin. Le concerto de Martinu est une pièce symbolique de la période où Martinu (dont la veine de compositeur a succcessivement puisé dans la musique populaire de Moravie ou de Bohème, chez Dvorak ou Debussy qu’il admirait tout particulièrement, mais aussi chez les madrigalistes anglais) s’intéresse au baroque et à la forme du concerto. Voulant composer une pièce marquant son retour au pays (nous sommes en 1938), l’histoire s’engouffre dans la composition puisque la Tchécoslovaquie disparaît (avec Munich) et c’est en Suisse en 1940 que l’oeuvre sera créée. Ainsi l’ambiance de l’écriture qui devait être positive et optimiste, devient plus sombre et même pathétique. Le premier mouvement est vif, dynamique, immédiat exige beaucoup des cordes, cela ressemble apr moments à du Chostakovitch, le largo est sans doute le meilleur moment de la partition, laisse entrer la mélancolie, la tristesse (le début est saisissant) et le piano est omniprésent, comme une sorte d’obsession. Le dernier mouvement retrouve la dynamique du premier, mais après le largo, c’est une certaine dissonnance qui domine, avec une fin complètement suspendue. Jansons arrive à dessiner ces différents moments, en marquant fortement la présence du piano (au centre du dispositif entre les deux orchestres), et soulignant la déconstruction qui domine le dernier mouvement. Une oeuvre à découvrir et à réécouter.
Dans Brahms, j’ai l’habitude d’écouter Abbado (comme dans Mahler d’ailleurs, d’où ma curiosité pour demain) que je trouve toujours “juste”. Abbado est un architecte inventif: si c’était un architecte (jouons au portrait chinois!), ce serait sans doute Borromini, avec ses formes légères, sa créativité, sa liberté de ton, ses acrobaties techniques et sa virtuosité. Si Jansons était architecte, ce serait Bernin, avec sa force, son sens aigu de la forme, son regard grandiose sur le monde, mais aussi son humour et lui aussi sa virtuosité.
C’est ce grandiose qui frappe dans l’approche de Brahls par Jansons. Au début la lenteur surprend (elle m’avait même gênée il ya deux ans pour un Deutsches Requiem à Lucerne, un peu trop terrestre et appliqué pour mon goût). Il n’y a pas aujourd’hui d’application, il n’y a que de la construction géniale, qui fait ressortir les moindres détails, qui soigne d’une manière incroyablement précise les équilibres sonores, et les différentes strates de la partition. Il est servi par un orchestre (les bois font merveille!) complètement engagé dans l’aventure, au son chaleureux, rond (on déplore l’acoustique un peu sèche de la salle, en rêvant à celle, miraculeuse, du Concertgebouw d’Amsterdam), et large en même temps. Ce Brahms respire de grandes étendues, on est au seuil de Sibelius. Certes Brahms surprit, notamment dans le dernier mouvement, inspiré par des formes baroques de la passacaille ou de la chaconne, et très novateur dans sa variation finale. C’est ce que Schönberg admira notamment dans cette symphonie. Jansons imprime largeur des sonorités, étendue des tempi, avec une précision diabolique dans les détails, sans jamais faire jouer trop fort, dans un miracle d’équilibre et d’émotion (l’andante et le scherzo -allegro giocoso- m’ont complètement bouleversé). Triomphe à la fin du concert et deux bis en cohérence, deux danses étourdissantes (la très fameuse Danse hongroise n°1 de Brahms, et la Danse slave n°7 de Dvorak) , qui ont fini de tournebouler le public (souvent jeune et très “cool” d’ailleurs, vive Londres!). J’attends avec d’autant plus d’impatience le concert de demain (en matinée, à 15h).