Frank Martin, compositeur suisse né à Genève en 1890 et mort à Naarden aux Pays bas en 1974, n’est pas si fréquemment joué ou représenté. Pour ma part, depuis 2007, où Claudio Abbado a présenté à Lucerne les Sechs Monologe aus Jedermann avec Thomas Quasthoff, je n’en avais pas entendu. Avec Der Sturm (La Tempête, d’après Shakespeare) un opéra créé à Vienne et Monsieur de Pourceaugnac, d’après Molière, (1962), repris à Lausanne en 2007 (dirigé par Jean-Yves Ossonce), Le Vin Herbé (1938-1941) est l’un des trois « opéras » qu’il a composés et sans doute le plus célèbre.
Il fallait d’ailleurs avoir une dose d’inconscience ou un sacré cran pour composer une version musicale du mythe de Tristan et Iseut après le Tristan de Wagner. Mais Frank Martin entreprend un chemin différent : Wagner s’est inspiré de la version de Gottfried de Strasbourg, elle même appuyée sur celle de Thomas d’Angleterre, plus que sur celle de Béroul. Frank Martin s’appuie sur la réécriture du mythe par Joseph Bédier au début du XXème siècle, qui s’est inspiré notamment de Béroul et de Thomas d’Angleterre, et qui a très largement contribué à populariser le mythe : il n’écrit pas un opéra mais un oratorio profane. (1938 / 1940-1941), texte d’après trois chapitres du Tristan et Iseut de Joseph Bédier 1. Le Philtre, 2. La Forêt de Morois, 3. La Mort
Frank Martin prend en quelque sorte le contrepied de Richard Wagner, en s’appuyant sur un chœur de 12 voix d’où quelques solistes émergent, et sur un orchestre pour 7 instruments à cordes et piano. Est-ce pour autant un opéra dit « de chambre » ? Rien n’est moins sûr, notamment après le spectacle de la Staatsoper Berlin im Schiller Theater, qui présentait dans la même salle le lendemain Tannhäuser de Wagner, d’un tout autre format.
Le spectacle, créé en mai 2013, mis en scène par Katie Mitchell (dont on connaît le magnifique Written on Skin de George Benjamin), impose une atmosphère confinée et sombre, mais pas vraiment chambriste. Nous sommes invités comme à une représentation clandestine, nocturne, dans les ruines d’un théâtre où une troupe semble représenter de manière fugace un mystère. L’influence du religieux est marquante dans l’œuvre de Frank Martin, très marqué par Bach, et fils de pasteur.
L’ensemble des acteurs, vêtus comme en 1940, semblent sortis d’un film de ces années-là (plus ou moins contemporaines de l’œuvre), peu de lumière, mais des bougies, des lampes vacillantes (magnifiques éclairages de James Farncombe) un plateau de théâtre en ruines, un rideau déchiré qui donnent presque l’impression d’une église, ou du moins d’une célébration païenne d’un monde qui se réveille d’une longue nuit. C’est aussi pendant la guerre que Cocteau écrivit l’Eternel Retour, version cinématographique du mythe de Tristan qui fit long feu, avec Jean Marais et Madeleine Sologne réalisé par Jean Delannoy.
Ainsi Katie Mitchell inscrit-elle son travail dans la (fausse) simplicité d’un théâtre bombardé, allusion au Schiller Theater lui-même bombardé en 1943, réduit à l’essentiel, aux meubles abandonnés et contraint à l’utilisation de ce qu’on trouve sur place pour créer l’illusion théâtrale, l’un des moments les plus réussis à ce titre est la tempête sur le bateau, créée à partir d’une corde tendue et des mouvements des personnages.
Frank Martin appelle Le Vin herbé un oratorio profane, qui va s’inscrire en contrepoint à un Wagner largement exploité par les nazis (et notamment Tristan und Isolde affiché avec Germaine Lubin à Bayreuth, puis à Paris) et qui va affirmer, dans un monde réduit en cendres et piétiné dans son tissu le plus humain à cause de la barbarie nazie, la suprématie de l’amour sur la mort et la nécessité d’affirmer encore et toujours, la suprématie de l’art.
La simplicité des lignes, la discrétion des mouvements des chanteurs, leur aspect presque interchangeable (comme leurs noms Iseut aux blanches mains, épouse de Tristan jalouse d’Iseut la Blonde) plaident pour l’image d’une sorte de célébration collective presque druidique d’une éternelle histoire d’amour qui survit même des cendres produites par la barbarie. Il en résulte un spectacle d’une force surprenante, d’une rare intensité, où la mise en scène par son austérité et son intelligence impose en quelque sorte la concentration sur la musique, ou mieux, tisse avec la musique un formidable lien . La présence sonore en est presque imposante, dans cet espace malgré tout relativement vaste pour un ouvrage considéré comme chambriste, qui ne pourrait être plus éloigné d’un orchestre wagnérien. L’ensemble de deux violons, deux violes, deux violoncelles, d’une contrebasse et d’un piano dirigés avec fermeté et à la fois délicatesse par Frank Ollu éclaire cette musique, à la fois tonale et atonale, marquée par l’école de Vienne et Debussy, qui accompagne avec simplicité et intensité les voix, sans jamais créer de contrepoint, reproduisant en dialogue instrumental un dialogue qui ressemble à une sorte de litanie des personnages entre eux. Entre eux ? non, plutôt un récit presque psalmodié au delà du dialogue, comme une passion de Bach. La prestation des musiciens de la Staatskapelle Berlin est exceptionnelle, et l’instrument prolonge le dire, et clarifie en même temps les circonstances du récit avec une force inconnue et surprenante.
Au service de l’entreprise, une distribution de très bon niveau, largement appuyée sur la troupe, composée de chanteurs plutôt jeunes, ce qui donne encore plus de force à l’idée de résistance à laquelle cette représentation nocturne et clandestine semble se référer avec notamment en Iseut aux blanches mains Katharina Kammerloher, et la Branghien d’Evelin Novak, et bien sûr l’Iseut la blonde particulièrement intense d’Anna Prohaska, à la voix bien projetée, à l’aigu contrôlé, même si la diction française laisse un peu à désirer .
Du côté masculin, le Marc de Ludvig Lindström (un nageur de compétition devenu chanteur…) s’impose par sa voix sonore et juvénile, tandis que Matthias Klink illumine Tristan, tant par son intensité, par la poésie de son expression, par sa diction impeccable de clarté que par la délicatesse de la voix.
Au total, une soirée difficilement oubliable, grâce à une mise en scène d’une intelligence et d’une finesse rares, et d’une intensité musicale qui par l’émotion qu’elle distille égale des Tristan plus wagnériens. [wpsr_facebook]