LUCERNE FESTIVAL 2014: ALAN GILBERT DIRIGE L’ORCHESTRE DU GEWANDHAUS DE LEIPZIG le 7 SEPTEMBRE 2014 (CERHA, BEETHOVEN)

Concert du 7 septembre (Gewandhaus Leipzig) © Priska Ketterer/Lucerne Festival
Concert du 7 septembre (Gewandhaus Leipzig) © Priska Ketterer/Lucerne Festival

J’avais repéré une troisième de Mahler avec l’orchestre du Gewandhaus dirigé par Riccardo Chailly qui avait évidemment excité ma curiosité. La blessure de Chailly et ses annulations estivales ont amené, pour la première fois à Lucerne, Alan Gilbert, dont des amis dignes de foi disent que cette Troisième, à laquelle je n’ai pu malheureusement assister était plutôt intéressante.
J’ai en revanche assisté au programme de la veille, centré autour de la Symphonie n°9 de Beethoven, avec outre la symphonie, la Paraphrase über den Anfang der 9. Sinfonie von Beethoven qui ouvrait le concert. Que ceux qui confondraient paraphrase et variations se rassurent, on a peine à reconnaître dans cette œuvre d’une quinzaine de minutes une trace claire du début de la symphonie ; il s’agit d’un exercice de style dans une tradition purement formaliste sur les quartes descendantes du début du premier mouvement. Au delà de l’exercice formel, c’est une musique qui apparaît déjà datée, et pour tout dire, sans intérêt majeur même si la musique contemporaine permet toujours de se concentrer sur l’audition sans références et donc d’être tout à l’œuvre et non à ses propres souvenirs.
Néanmoins, elle permet en même temps d’écouter d’une autre manière la symphonie de Beethoven, célébrissime, c’est à dire de mieux se concentrer sur les formes, car c’est ce qui domine dans l’exécution du Gewandhaus, d’une très grande clarté, et dans la volonté visible du chef de dégager les formes, les motifs, les éléments de l’instrumentation dans l’œuvre de Cerha et d’offrir une grande lisibilité qu’on retrouvera tout au long de la soirée.
Cette lisibilité, qui est un caractère fort de l’exécution de la IXème symphonie de Beethoven, n’a pas empêché une exécution perturbante, voire difficilement supportable, au moins des trois premiers mouvements, et notamment du premier.

Alan Gilbert le 7 septembre 2014 © Priska Ketterer/Lucerne Festival
Alan Gilbert le 7 septembre 2014 © Priska Ketterer/Lucerne Festival

Difficilement supportable pur mon goût parce que l’on est face à une manière de jouer Beethoven qu’on n’imagine presque plus, avec de forts contrastes, avec un rythme haché, sans aucun legato, voire martial, un Beethoven enfoui dans le passé, ou du moins ce qu’on s’imagine du passé, où Furtwängler serait un exemple de douceur de discrétion et de légèreté, comparé à ce qui nous a été donné d’entendre. J’ai sans doute trop l’habitude d’exécutions fluides, avec des formations à l’effectif plus raisonnable, avec un volume plus léger pour pouvoir apprécier ce rouleau compresseur. Je suis disponible à toutes les interprétations, mais celle-ci m’a vraiment pesé.
Certes, Alan Gilbert est un grand technicien, au geste net, précis, vaste, il possède un art assez remarquable de faire émerger le son de l’orchestre, d’isoler tel ou tel pupitre, avec un orchestre qui répond très bien aux sollicitations. L’orchestre est évidemment dans son répertoire, et s’y retrouve  comme phalange de référence  dans les grands orchestres de tradition germanique: cuivres somptueux, bois sans scories  avec une virtuosité remarquable, belles cordes charnues et sonores. Ce qu’on ne retrouve pas, c’est l’esquisse de l’esquisse du début d’un peu de lyrisme, d’un peu de subtilité, ou même de sensibilité.

Les choeurs le 7 septembre 2014 © Priska Ketterer/Lucerne Festival
Les choeurs le 7 septembre 2014 © Priska Ketterer/Lucerne Festival

On reste dans la grosse machine, impression confirmée par la vision spectaculaire de la masse orchestrale et du chœur gigantesque, formé du chœur du Gewandhaus, du chœur de l’opéra de Leipzig, du chœur d’enfants du Gewandhaus avec ses vestes rouges qui font une joli tache de couleur vive au milieu de cette masse sombre, roses rouges sur un dais funèbre. Nous sommes dans le démonstratif, dans l’affichage loin de la joie intériorisée, où perce la tendresse. Ici on veut écraser.
Évidemment, le dernier mouvement est par la force des choses, le plus réussi ou le moins discutable, dans la mesure où cette construction interprétative y conduit directement. Effet de masse, excellence du chœur, et solistes un peu perdus dans toute cette abondance de biens, placés sur le côté entre les bois et les cordes. Des quatre solistes, le ténor Steve Davislim a du mal à faire entendre une voix légère et chaleureuse, dont la projection n’en peut mais : seul face à deux cent cinquante personnes décidées à en découdre, il n’y arrive pas. En revanche , Dimitri Belosselsky a montré une voix de basse bien timbrée, claire, posée, et engagée, bien plus convaincant qu’à d’autres occasions. Gerhild Romberger, entendue plusieurs fois ces dernières années  qui est devenue la grande spécialiste des interventions de mezzo dans les concerts, notamment mahlériens, a toujours cette voix à la fois profonde et magnifiquement projetée, avec de notables qualités de diction. Quant à la jeune Christina Landshamer, elle montre une voix de soprano très claire, très fraiche, à la jolie technique : c’est elle la vraie surprise du quatuor.

De gche à dte: Chriustina Landshamer, Gerhild Romberger, Steve Davislim,Dmitri Belosselsky © Priska Ketterer/Lucerne Festival
De gche à dte: Chriustina Landshamer, Gerhild Romberger, Steve Davislim,Dmitri Belosselsky © Priska Ketterer/Lucerne Festival

Triomphe final, standing ovation, au bout du compte assez courte ; un concert techniquement parfait, musicalement très discutable. L’exécution m’est apparue surannée et à la limite gênante, malgré un dernier mouvement qui de lui même soulève les cœurs et les âmes, en particulier dans la période que nous vivons. En appeler à la fraternité, à l’union, à la joie et à l’amitié semble bien décalé, voire osé, voire subversif face à l’individualisme des temps, aux replis sociétaux, aux joies du racisme en bref, à la barbarie du quotidien ou plutôt à la barbarie tout court. [wpsr_facebook]

Sebastian Breuninger Konzertmeister du Gewandhaus (et du LFO) © Priska Ketterer/Lucerne Festival
Sebastian Breuninger Konzertmeister du Gewandhaus (et du LFO) © Priska Ketterer/Lucerne Festival

PHILHARMONIE BERLIN 2013-2014: GUSTAVO DUDAMEL DIRIGE LES BERLINER PHILHARMONIKER le 14 JUIN 2014 (BIRTWISTLE – MAHLER) avec Gerhild ROMBERGER, mezzosoprano

Saluts du 14 Juin, à droite Gerhild Romberger, à gauche Gustavo Dudamel
Saluts du 14 Juin, à droite Gerhild Romberger, à gauche au fond Gustavo Dudamel

BERLINER PHILHARMONIKER
Gustavo DUDAMEL (remplaçant Mariss Jansons), direction
Gerhild ROMBERGER Mezzo-Soprano

Ladies of the Rundfunkchor Berlin
Tobias Löbner, Chorus Master
Boys of the Staats- und Domchor Berlin
Kai-Uwe Jirka, Chorus Master

Harrison Birtwistle
Dinah and Nick’s Love Song
Gustav Mahler
Symphony No. 3 in D minor

Je voulais faire le voyage de Berlin pour la Troisième de Mahler dirigée par Mariss Jansons. Il a annulé ses trois concerts, et c’est Gustavo Dudamel qui l’a remplacé. Le dernier concert auquel j’ai assisté, à Lucerne (voir compte rendu précédent), m’a convaincu qu’il fallait venir écouter ce chef, avec le Philharmonique de Berlin. Cela m’intéressait d’autant plus que je ne l’avais jamais entendu avec Berlin. Et comme d’aucuns en font l’un des possibles successeurs (possible, mais j’ai mes doutes), ce pouvait être une expérience intéressante.
Le programme proposait deux pièces, l’une très courte de Harrison Birtwistle, Dinah and Nick’s love song (1970, première en 1972), pour la première fois au répertoire de Berlin, et la symphonie de Mahler.
Dinah and Nick’s love song est une pièce de cinq minutes environ, pour harpe et trois cors anglais. La harpe (Marie-Pierre Langlamet, magnifique) est disposée au centre du plateau, derrière elle un premier instrumentiste (Albrecht Mayer, le hautboïste de l’orchestre, un grand soliste international, Dominik Wollenweber (cor anglais, ex Gustav Mahlerjugendorchester, qui nous a souvent fait chavirer – je me souviens des Rückert Lieder avec Waltraud Meier et Claudio Abbado où il tirait les larmes) et l’un des autres hautboïstes de l’orchestre, Christoph Hartmann. Wollenweber et Hartmann sont au loin au milieu de la salle. Les trois jouent la même mélodie, qui répond en écho à la harpe au départ discrète, mais bientôt très présente de l’instrument délicat et léger qui se mélange aux sons à la fois très mélancoliques et un peu rèches des bois. Il en résulte un moment suspendu de tension tout particulier, dont la brièveté crée en même temps une frustration. Ce petit ensemble, qui va laisser la place à l’immense complexe de Mahler , avec ses chœurs et sa soliste, produit un effet de contraste, mais en même temps une musique qui s’impose, très prenante même . J’ai été très marqué par ce moment, exécuté par chacun des musiciens à la perfection, la harpe dans l’effleurement initiale à peine perceptible, et les bois extraordinaires (avec un petit plus pour Albrecht Mayer, proprement phénoménal). Un chant orphique, au sens antique du terme, qui serait bien près de nous enchanter : une sorte de musique des origines, qui a quelque chose d’envoûtant.

De gauche à droite Christoph Hartmann, Albrecht Mayer, Marie-Pierre Langlamet, Dominik Wollenweber
De gauche à droite Christoph Hartmann, Albrecht Mayer, Marie-Pierre Langlamet, Dominik Wollenweber

Bien sûr, tout le monde attend Mahler. L’orchestre est là, au grand complet, avec ses solistes vedettes, Albrecht Mayer, Emmanuel Pahud le flûtiste, Stefan Dohr au cor, Ludwig Quandt, le violoncelliste (qui fut l’un des porteurs du cercueil d’Abbado), le premier violon Daishin Kashimoto (même si je lui préférais Guy Braunstein). C’est l’un des grands concerts de l’année.

Ludwig Quandt
Ludwig Quandt

Ce qui frappe chez Dudamel, et c’est immédiat, c’est sa prise sur l’orchestre, et sa familiarité avec l’œuvre qu’il dirige sans partition. J’ai souvent écrit que Dudamel a une prise sur le public, évidente, par sa gentillesse et sa chaleur ; on remarque là sa parfaite maîtrise de l’orchestre de Berlin, qui le suit beaucoup d’attention et grand soin. Il est vrai que la très haute technicité de Dudamel, un chef au geste précis, qui a soin de la construction sonore sans jamais vraiment la mettre en scène, sans jamais faire de spectacle est un bonheur pour n’importe quelle phalange. Il a même été d’une grande économie gestuelle, comme si il n’en avait pas besoin pour être compris et suivi de l’orchestre. Il y a de bons chefs qui dirigent Berlin sans vraiment dialoguer (Ingo Metzmacher par exemple) avec un résultat discutable ou décevant. On a ici une véritable entente, qui se sent, qui se traduit notamment par un premier mouvement fulgurant (malgré une toute petite errance), tendu, somptueux, et en même temps d’un très grand classicisme. Il ne faut pas attendre de Dudamel des prises de risque énormes, c’est un vrai classique, c’est un vrai lecteur/traducteur de partition, je ne le sens pas comme un chef qui va inventer, y compris des voies inhabituelles, voire choquantes, ou totalement convaincantes d’ailleurs à la Harding, ou à la Gatti, ce n’est pas non plus un chef lyrique à la Nelsons ou trop sensible (sa Bohème jadis à Berlin manquait singulièrement de pathos), il va chercher la partition et la présente dans tous ses secrets, dans tous ses méandres, d’une manière à la fois objective et respectueuse, presque distanciée, mais avec un sens du rythme, avec un sens des gradations sonores, avec un souci de la révélation du son qui sont proprement quelquefois bluffants .
Il est accompagné par le chœur de femmes de la radio de Berlin (direction Tobias Löbner) et les enfants du Chœur d’Etat et de la Cathédrale de Berlin (direction Kai-Uwe Jirka), vraiment magnifiques de fraicheur, mais c’est le mezzo-soprano Reinhild Romberger, déjà remarquée l’an dernier à Lucerne, qui stupéfie. J’ai rarement entendu O Mensch aussi senti, aussi profond, aussi sensible:  avec une voix sonore, ronde, magnifiquement projetée, un grave d’une rare pureté, un aigu sûr, un phrasé exemplaire, une diction de rêve (on comprenait chaque mot), elle transcende ce moment : en un seul mot, une merveille. Elle laisse loin derrière nombre de solistes pourtant renommés. Ne la manquez pas si vous la voyez son nom sur une affiche, elle est simplement prodigieuse.
Un certain nombre de mes amis (nous étions nombreux à Berlin ce jour là) mahlériens ont été un peu déçus par le manque d’émotion, la distance avec laquelle Dudamel a abordé l’œuvre. Il y a une sorte d’objectivité, de Sachlichkeit dans cette lecture qui m’a frappé aussi, mais la perfection de l’exécution, son côté direct, l’absence de volonté de faire des effets calculés, voire millimétrés (au pays de Rattle, c’est notable), comme si Dudamel voulait se cacher derrière cette musique en ne cherchant rien d’autre que de la reproduire avec la plus grande honnêteté possible mais aussi avec tous les détails et dans tous ses recoins. On ne cessera pas de louer l’orchestre, le violon de Kashimoto, certes, mais les contrebasses en pizzicati, mais les violoncelles (dernier mouvement) surtout la flûte chavirante de Pahud, le cor jamais en défaut, phénoménal dans le dernier mouvement et d’une puissance d’émotion indicible de Stephan Dohr, le hautbois de Mayer (que j’ai adoré dans le quatrième et le dernier mouvement, notamment dans son dialogue avec la flûte et même malgré une petite scorie) et cette fois-ci les trombones stupéfiants et notamment le trombone soliste Christhard Gösslin, époustouflant, même si l’intervention du cor de postillon a été clairement ratée.
Cette quasi perfection transcende les émotions, elle les stimule. Depuis le 6 avril dernier (le concert hommage à Abbado du LFO à Lucerne) le dernier mouvement de la troisième me fait venir les larmes dès les premières mesures : allez savoir pourquoi. Mais l’émotion est restée présente, une émotion certes moins bouleversante qu’avec qui vous savez, mais réelle, mais profonde, qui produit au final une grande joie, et le sourire d’avoir vraiment ressenti ce Mahler qui nous amène vers la transcendance, un Mahler moins grinçant et plus optimiste. Un Mahler ascensionnel.
Avec un orchestre dans une forme pareille, avec un chef vraiment remarquable, d’un très grand niveau et avec Mahler, ce fut un très beau moment, paraît-il le meilleur des trois concerts. Vous pourrez allez l’écouter sur le Digital Concert Hall (http://www.digitalconcerthall.com) lorsque le concert (du 13 juin) sera en ligne.
Et en tous cas, il se vérifie encore une fois si c’est possible que les Berliner savent être totalement bluffants lorsqu’ils ne veulent, et qu’encore une fois la magie de la salle agit, avec ce son si proche, si net, si clair. Enthousiasme du public, qui fut un peu étonnant en ce lieu, applaudissant à la fin du premier mouvement et après le troisième,  longs applaudissements, et salut de Dudamel seul, lorsque l’orchestre est sorti. Comme avec Abbado. [wpsr_facebook]

Gustavo Dudamel salue seul
Gustavo Dudamel salue seul

 

LUCERNE FESTIVAL 2013: Mariss JANSONS dirige le SYMPHONIEORCHESTER DES BAYERISCHEN RUNDFUNKS le 8 SEPTEMBRE 2013 (MAHLER SYMPHONIE N°2 « RÉSURRECTION) avec Genia KÜHMEIER et Gerhild ROMBERGER

Mahler, Symphonie n°2, 8 septembre 2013 © Priska Ketterer / Lucerne Festival

Il est difficile d’écouter dans cette salle la Symphonie n°2 « Résurrection » de Mahler pour ceux qui étaient présents en 2003 – il y a déjà 10 ans ! – lors de son exécution par le tout jeune Lucerne Festival Orchestra et Claudio Abbado. Le disque qui en a été fait ne rend pas compte, ou rend à peine compte de ce qui se passa lors de la répétition générale et lors des deux ou trois concerts qui suivirent. Je reste frappé, encore profondément marqué par la répétition générale, à mon avis un des plus grands moments de musique de ma vie, et je me souviens encore des regards stupéfaits échangés entre les 200 ou 300 auditeurs présents, et de la sortie de salle, silencieuse et abasourdie.
Depuis, j’ai évidemment osé  écouter dans cette salle encore quelques Symphonies « Résurrection », l’une, plutôt plate, décevante, dirigée par Gustavo Dudamel, l’autre, plus intéressante, mais encore rèche, rugueuse, mais avec de beaux moments dirigée par Andris Nelsons . Pouvais-je alors passer outre Mariss Jansons, et le Symphonieorchester des bayerischen Rundfunks, alors que j’aime le Mahler de Jansons et que j’ai encore dans mon oreille une splendide Troisième avec le Concertgebouw (enfin le Het Koninklijk Concertgebouworkest, ou RCO comme on dit dans les salons).

Mariss Jansons © Priska Ketterer / Lucerne Festival

Et bien m’en a pris, car c’est une Symphonie n°2 somptueuse qui nous a été donné d’entendre. Évidemment, il ne faut pas commencer à jouer au jeu des comparaisons, des amis à la sortie disaient, « ça n’est pas mon Mahler », « ça n’est pas le Mahler que j’aime », faisant évidemment allusion à ce dont je parlais plus haut. Il n’existe pas d’interprétation absolue, puisque l’histoire de l’interprétation, comme l’histoire de toute lecture, comme l’histoire de la mise en scène, comme l’histoire même du regard, évolue avec l’époque, les contextes, les lieux: vérité en deçà des Pyrénées…Rien n’est plus fragile qu’une audition en concert, qui dépend de tant de paramètres, la place dans la salle, l’humeur du jour, la forme du chef etc…et rien n’est plus trompeur qu’un souvenir embelli, magnifié, pour devenir quasi une geste. Moi qui remue à chaque texte des souvenirs, évidemment je suis conscient des limites de l’exercice (heureusement, certains souvenirs sont partagés, et confortent les miens…), c’est pourquoi je reste toujours disponible, j’accueille tous les possibles, au concert comme au théâtre, comme à l’opéra, et si ces moments me quittent bien vite sans m’accompagner ou m’interroger, alors la messe est dite.
Une semaine ou presque après ce concert, il continue de m’interroger et de m’accompagner, car nous avons eu droit à un moment d’une grandeur exceptionnelle, avec un choix très clair de point de vue qui se lit dès le premier mouvement, « allegro maestoso. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck (avec une expression absolument sérieuse et solennelle) ». Une expression musclée, assez écrasante, déjà olympienne; on le sent dès l’entrée initiale des violoncelles et contrebasses, avec un son épais, tendu, qui devient vite écrasant, avec un air d’apocalypse: on est au bord du puits, encore une fois c’est Hugo que je sens en écho: « je suis le regardeur formidable du puits ». Et le mouvement, conçu comme une marche funèbre va crescendo pour exploser au final, et retomber dans le silence de la mort,  qui justifie  les cinq minutes de pause demandées par Mahler entre le premier et le second mouvement – le choeur en profite pour s’installer -. On reste interdit devant tant de puissance et tant de tension, une fois de plus, l’impression d’une force tellurique qui nous entraîne.
Le second mouvement, andante moderato, sehr gemächlich. Nie eilen (Très modéré, ne jamais se presser), c’est un Ländler (cette danse appelée en France Allemande, qui est sans doute à l’origine de la valse), qui fait un énorme contraste avec la violence du mouvement précédent. On a l’impression que Jansons laisse son orchestre aller, de manière dansante, avec ces fameux pizzicati qui nous avaient ensorcelés avec Abbado et qui de nouveau nous font virevolter: les cordes (et notamment les violoncelles) sont sublimes et l’ensemble est d’une incroyable légèreté: après le tellurique, l’aérien: un mouvement qui littéralement crée une sorte d’enchantement, on est entré dans un autre univers, plus gracieux, plus ouvert, même si les decrescendo (impressionnants dans la maîtrise du volume) aux cordes (juste avant la reprise du thème du Ländler) donnent déjà un avant goût presque inquiétant: d’ailleurs, la tension en salle est palpable.
Le troisième mouvement, un scherzo « In ruhig fließender Bewegung » (en mouvement tranquille et fluide), reprend un lied de Des Knaben Wunderhorn », « Des Antonius von Padua Fischpredigt », le prêche aux poissons de Saint Antoine de Padoue. Il s’ouvre par les timbales, nettes, définitives qui tranchent avec l’apparente sérénité en decrescendo qui suit aux cordes, aux vents et aux bois: c’est ici la fluidité qui domine, mais bientôt les bois donnent un ton un peu amer et cette fluidité est perturbée  quelque peu par des bois légèrement plus agressifs. Légèrement. Car Jansons fait grincer l’orchestre par à coups, sans vraiment marquer, comme par flashes, et tout est porté par les bois remarquables C’est une musique plus grinçante et distanciée que le deuxième mouvement, même si on sent que Jansons ne veut pas trop insister (moins qu’Abbado par exemple, qui, je m’en souviens, soulignait avec insistance cette amertume), il préfère les tutti de la partie finale, plus ouverts, plus célestes: les cuivres sont splendides dans leurs interventions, comme des fulgurances. Il y a là comme une préparation aux deux derniers, mouvements.
Dans le mouvement suivant Urlicht (sehr feierlich, aber schlicht, -attaca). Mahler reprend le Lied de Des Knaben Wunderhorn, qui prote le même nom. Il faut saluer ici la performance de Gerhild Romberger la contralto, qui par son émission d’une clarté confondante, répond exactement aux indications de Mahler. C’est à la fois solennel (feierlich) mais surtout simple (schlicht). C’est cette simplicité dans l’expression qui frappe, et qui séduit. La simplicité d’un chant populaire, souligné par les bois et le violon – magnifique – d’une légèreté et d’une poésie confondantes mais dans le contexte, il revêt un aspect très saisissant et solennel (le titre est évidemment évocateur, Urlicht, Lumière originelle); j’ai rarement entendu un contralto aussi convaincant et surtout aussi présent, aussi central que Gerhild Romberger: là où Abbado avait placé les deux voix au milieu de l’orchestre, Jansons les place à peu près au même endroit, mais surélevées et bien visibles, ce qui leur donne une présence directe assez frappante. Le pianissimo final est sublime de légèreté, qui contraste immédiatement avec l’explosion des cymbales qui ouvre le dernier mouvement, comme une ouverture vers l’au-delà.

Genia Kühmeier, Gerhild Romberger © Priska Ketterer / Lucerne Festival

Tout en donnant un son très plein, ce n’est jamais appuyé, jamais tonitruant, et l’orchestre alterne explosif et implosif. Cette douceur apparente du début qui suit les explosions de la fanfare du Dies irae est tellement tendue qu’elle renferme déjà les envolées finales. L’ensemble des cuivres est impressionnant qui joue en écho avec les bois: l’orchestre ici est tout simplement fabuleux, comme un ciel qui s’ouvre et qui nous inonde, mais il est aussi stupéfiant notamment dans sa préparation à l’entrée du choeur qui intervient presque naturellement après les interventions des parties de l’orchestre dispersées derrière la salle. C’est un effet bouleversant que cette partie de l’orchestre dissimulée, derrière le Parkett, le long du couloir derrière la première galerie, derrière l’orchestre aussi, interventions qui donnent l’impression à la fois d’un nombre incroyable de sons qui flottent en arrière plan, avec l’écho de la flûte, et qui étreignent et qui  préparent avec douceur mais aussi tension l’entrée murmurée du choeur « Aufsteh’n, ja aufsteh’n wirst du » Ressusciter, oui, tu vas ressusciter (adaptation de l’Ode de Friedrich Gottlieb Klopstock, poète allemand du XVIIIème mort en 1803). C’est extraordinaire par la tension qu’elle crée. Le choeur, un ensemble fait de celui de la radio bavaroise, et de celui de la WDR (Westdeutscher Rundfunk) est tout simplement fabuleux, sans doute un des plus beaux que j’ai pu entendre jusqu’ici. L’intervention du soprano, la splendide Genia Kühmeier, surprend par sa netteté, un peu comme auparavant celui de la contralto, Kühmeier sait tenir la voix sur le souffle et la ligne de chant et la diction sont impeccables. Ses courtes interventions sont tellement maîtrisées, et en même temps tellement claires, elles se détachent tellement de l’ensemble qu’on en est surpris (en général, les voix se fondent avec l’orchestre) tellement c’est inhabituel. Magnifique.
Le final écrasant, fortissimo, avec le choeur qui chante l’ode de Klopstock et les vers de Mahler (« Sterben werde ich, um zu leben« , je vais mourir pour vivre), est bien sûr d’une indescriptible puissance, mais jamais excessif, jamais « trop fort ». Jansons possède un art des dosages qui laisse pantois, et les sons des différents instruments, se détachent, notamment les cloches, jamais entendues avec autant de netteté. Cela m’a totalement bouleversé, au point que je n’ai pu applaudir aussitôt.
Car bien sûr, immédiate standing ovation de la part du public en délire. On peut dire qu’on a entendu ce soir une version anthologique de la Symphonie Résurrection de Mahler, anthologique parce que dans la direction imprimée par le chef, on ne peut guère faire plus puissant. Avec un Jansons toujours souriant, toujours disponible, doué d’une simplicité et une énergie qui frappent , et surtout, communiquant avec l’orchestre dans des gestes qui respirent une très grande humanité. Il s’engage fortement dans sa manière de diriger mais cet engagement n’est jamais spectacle ni histrionisme, comme chez certains chefs, c’est un engagement de la personne plongée dans la musique et dans l’oeuvre. Cette symphonie, c’est quelque part une lueur d’espoir, une ouverture et en même temps un regard vers la transcendance, qu’il réussit à communiquer au public. Abbado nous élève, et Jansons nous transporte: ce sont là les grands maîtres d’aujourd’hui, dont il ne faut jamais manquer une apparition.

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Mahler Symphonie n°2, Symphonieorchester des bayerischen Rundfunks © Priska Ketterer / Lucerne Festival